Jörg Brüggemann

Autobahn

25.06 — 04.09.22

De 2014 à 2019, Jörg Brüggemann a parcouru les quelque 13 000 kilomètres du réseau autoroutier allemand pour saisir la réalité de ce fleuron national. L’autoroute est probablement la structure bâtie la plus monumentale d’Allemagne, elle modèle le paysage en même temps qu’elle interconnecte le pays. Conçue dans ses premiers segments dans les années 1920 (avant que les nazis ne s’approprient la paternité de l’idée), objet d’un titre-culte du groupe Kraftwerk en 1974, elle fait partie intégrante de son identité culturelle et de son histoire.

Les images de Jörg Brüggemann parlent de la topographie de la route et des paysages qu’elle traverse, des rêves de liberté, de l’attachement à une fierté et des habitudes perpétuées sur plusieurs générations, ainsi que des personnes qui vivent et travaillent sur l’autoroute. Représentée avec un regard teinté tantôt de nostalgie, tantôt de critique distanciée, l’autoroute représente la croyance inconditionnelle en l’avenir de l’après-guerre, l’ingénierie allemande, la conduite sans limitation de vitesse, mais aussi les embouteillages, les files de camions et les accidents impliquant plusieurs véhicules.

Le photographe partage ainsi sa fascination et ses doutes : alors que les concepts de mobilité changent et font constamment l’objet de discussions, l’autoroute reste la même dans sa forme – mais pendant combien de temps encore ? Dans quelle mesure cette gigantesque infrastructure est-elle aujourd’hui appropriée et durable, dans un contexte où croissance illimitée et liberté individuelle d’une part, écologie et intérêt public d’autre part se retrouvent chaque jour en contradiction visible ?

DE

Jörg Brüggemann, Fotograf der Agentur Ostkreuz, hat die deutschen Autobahnen 5 Jahren lang dokumentiert. Diese monumentale Infrastruktur ist sinnbildlich für die Identität und Kultur des Landes. Ihr Bau wurde bereits in den 1920er Jahren initiiert und sie steht für Freiheit, Geschwindigkeit und Fortschritt. Sie ist mit einem manchmal nostalgisch gefärbten Blick fotografiert, oft mit einer distanzierten Kritik, die die Zukunft dieses Verkehrsträgers in Frage stellt.

EN

Jörg Brüggemann, a photographer from the Ostkreuz agency, has been documenting German motorways for five years. This monumental infrastructure is emblematic of the country’s identity and culture. Its construction was initiated as soon as the 1920s, and it represents freedom, speed and progress. It is photographed with an eye tinged at times with nostalgia, often with a distanced critique that questions the future of this mode of travel.

Biographie

Jörg Brüggemann (né en 1979 à Herne, Allemagne) est photographe, conférencier et conservateur à Berlin. Il est membre de l’agence Ostkreuz depuis 2009, et y travaille également en tant que directeur général et conférencier, ainsi que professeur à l’Ostkreuzschule für Fotografie, depuis 2019. Il publie régulièrement dans des magazines tels que ZEIT Magazin, GEO, Monocle, etc. et a reçu de nombreux prix et bourses. Il a publié en 2012 sa première monographie Metalheads – the Global brotherhood.

Thomas Mailaender

Ultra-violets

02.04 — 28.05.22

Thomas Mailaender est un photographe collectionneur, depuis dix ans à l’affût de trouvailles iconographiques récoltées tant sur les marchés aux puces que dans les ventes aux enchères ou sur internet. Il se rattache en ce sens aux artistes pratiquant l’appropriation, un procédé qui a connu son essor dans les années 1970-80, faisant écho, déjà, à la multiplication des images dans le quotidien. Ces milliers de documents sont rassemblé sous le titre The Fun Archeology, un nom qui évoque à la fois le goût de l’artiste pour le drôle, le décalé, et sa démarche de mémoire qui s’intéresse à la photo telle que pratiquée par “Monsieur Tout-le-monde”. En effet, dès la démocratisation de la photographie au tout début du 20ème siècle, les amateurs l’ont utilisée aux fins les plus diverses, avec un humour intentionnel ou apparaissant a posteriori dans le regard du spectateur, l’incongru naissant de la perte du contexte.

Puisant dans cette banque d’images, Thomas Mailaender les réinterprète et s’attache à redécouvrir certaines techniques datant de la préhistoire photographique. Jouant sur la correspondance ou la discordance entre l’image, la technique de tirage et le support, il explore le médium photographique à la manière des pionniers toujours en quête d’innovation technique. Il questionne le statut de l’image en la transférant sur des matériaux inattendus, où sa pérennité est tantôt optimisée, tantôt compromise. Il s’agit tant d’une archéologie de la photographie que de celle des hommes depuis un siècle et demi, laissant des traces de vie sous forme d’images anonymes révélant le quotidien, l’accidentel, l’intimité et le spectaculaire.

DE

Thomas Mailaender ist ein Künstler, der zufällige volkstümliche Bilder sammelt, und, der seine ikonografischen Fundstücke für seine Experimente rund um das Medium und die Drucktechnik nutzt, wobei er oft alte Verfahren verwendet. Er spielt mit der Konfrontation zwischen diesem Bezug zur Geschichte der Fotografie und den ausgefallenen Sujets seiner Bilder, die er aus historischen Archiven oder persönlichen Aufnahmen von Amateurfotografen entnimmt.

EN

Thomas Mailaender is an artist who collects random vernacular images, and uses his iconographic finds for his experiments with the medium and the printing technique, often using old processes. He plays on the confrontation between this reference to the history of photography and the offbeat subjects of his images, taken from historical archives or personal funds of amateur photographers.

Biographie

Thomas Mailaender est né à Marseille en 1979. Il a étudié aux Arts Décoratifs de Paris puis à la Villa Arson de Nice. Il vit et travaille entre Marseille et Paris et est représenté par la galerie Michael Hoppen à Londres. Il a montré son travail dans de nombreuses expositions en France et à l’étranger comme sa première rétrospective The Fun Archive au NRW Forum à Düsseldorf, à la Saatchi Gallery et à la Tate Modern à Londres, au Palais de Tokyo, au Festival Images Vevey en Suisse, aux Rencontres d’Arles, ou encore au MOMA de San Francisco. Il collabore régulièrement avec Erik Kessels, artiste néerlandais, avec qui il développe une oeuvre à quatre mains également fortement orientée vers la question de la réappropriation de l’image.

Xavi Bou

Ornithographies

05.02 — 27.03.22

L’ornithologie est pour Xavi Bou une passion qui remonte à l’enfance, et l’expérience fondatrice de son travail artistique. Il fabrique des images retraçant les trajectoires aériennes des oiseaux grâce à la chronophotographie, une technique inventée au 19ème siècle et développée dans des buts principalement scientifiques, notamment par Jules Marey et Eadweard Muybridge. Xavi Bou s’approprie ce procédé par des outils contemporains et une version personnelle qui superpose les images successives plutôt que de les séparer distinctement, créant ainsi des lignes graphiques sur fond de ciel. Si ces photographies permettent aux spécialistes d’identifier les espèces d’après le motif de leur mouvement, leur visée est avant tout poétique. Révéler ce que l’œil humain ne peut voir, adresser le fantasme intemporel du vol, entrevoir le mystère du vivant sont des motivations qui poussent l’artiste à rester à l’affût de longues heures durant, attendant que le miracle se produise devant son appareil sur trépied. Tantôt c’est un trait d’une infinie liberté qui se dessine, tantôt une nuée qui se meut tel un seul organisme, forçant l’admiration devant la cohésion du collectif et réaffirmant l’humilité nécessaire de l’homme face à la nature.

DE

Xavi Bou ist seit seiner Kindheit von Ornithologie begeistert. Er aktualisiert die Technik der Chronofotografie um die Flugbahnen von Vögeln im Flug zu zeigen. Indem er diese in Zeitlupe darstellt, entschleiern er eine unsichtbare Schönheit und einreicht damit die Vorstellung der Freiheit, Kollektiv und Demut der Menschlichkeit vor der Natur an.

EN

Xavi Bou has been passionate about ornithology since childhood. He updates the technique of chronophotography to show the trajectories of birds in flight. By concentrating time in an image, he reveals an invisible beauty, addressing the notions of freedom, collective, and humility of man in front of nature.

Biographie

Xavi Bou est un photographe catalan basé à Barcelone. Après avoir étudié la géologie puis la photographie, il a travaillé dans l’image de mode et de publicité, avant de revenir à sa passion des oiseaux par le biais de l’art. Depuis 2015, ses Ornithographies ont attiré l’attention de nombreux éditeurs et collectionneurs, ont été exposées dans plusieurs pays, et ont été publiées dans National Geographic, The Guardian, Der Spiegel, Geo, …

Dolorès Marat

Au fil
d’une vie

18.09 — 14.11.21

Artiste photographe depuis 1982, Dolorès Marat a parcouru le monde en saisissant au passage des scènes qui auraient pu passer pour banales, sans l’œil affûté qui a su les transformer en fragments de magie. Elle n’obéit qu’à l’impulsion de l’instant, pressant le déclencheur lorsque l’émotion du moment la touche. Ses images n’obéissent pas à une logique de série ou de thème, mais sont ensuite assemblées lors de l’exposition pour générer dans leurs associations des ambiances et des narrations dans l’esprit du regardeur. Son œuvre unique et reconnaissable présente une homogénéité remarquable, où l’émerveillement est constamment renouvelé. L’artiste reste fidèle à la photographie argentique et à la technique de tirage ancienne au charbon dite Fresson. Les couleurs vibrantes, les contrastes soutenus et les noirs profonds contribuent à sa signature visuelle. À la fois attentive et légèrement en retrait de ses sujets, Dolorès Marat cultive le goût de l’illusion, invitant souvent la nuit et le flou à envelopper de mystère ses images oniriques et atemporelles. On y croise pêle-mêle des ruines antiques, des animaux de zoos et des citadins pressés, dont l’artiste signifie qu’ils participent chacun à leur infime échelle à la beauté d’un monde immense.

DE

Seit den 80er Jahren bereist Dolorès Marat die Welt und fängt dabei mit ihrem scharfen Augen Szenen ein, die auf den ersten Blick banal erscheinen, doch sie zeigt deren Poesie. SIe lässt den Moment auf sich wirken und verarbeitet ihre Emotionen in Bildern von bemerkenswerter visueller Kohärenz, in denen eine mysteriöse, verträumte Atmosphäre herrscht. Sie arbeitet nur mit Analoger Fotografie und nach dem Fresson-Verfahren Fotoabzug.

EN

Since the 80’s, Dolorès Marat has been travelling the world, capturing with her sharp eye scenes that seem ordinary at first glance and revealing their poetry.Guided by the emotion of the moment, she accumulates images of a remarkable visual coherence, where a mysterious and dreamlike atmosphere reigns. She works only with film, and develops with the Fresson process.

Biographie

Dolorès Marat est née en 1944 et vit actuellement à Avignon. Photographe indépendante, elle continue sa recherche au détriment des modes et des genres. Elle a publié de nombreux livres de son travail personnel et répond aussi à des commandes privées. Elle est représentée par la galerie Louis Dimension (Paris-Lille-Los Angeles), ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées. Elle a récemment fait un don conséquent à la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine, qui conserve le patrimoine photographique de l’État français.

Jean-Marc Caimi
et Valentina Piccinni

Güle Güle

20.11.21 — 30.01.2

Istanbul, capitale turque en pleine évolution, présente une multitude de visages dont la mosaïque raconte l’histoire de la ville, les bouleversements politiques récents, et les différentes communautés qui y cohabitent. Le duo d’artistes Caimi et Piccinni s’y est intéressé dans son dernier travail sur les cités en mutation, faisant suite à des reportages sur Rome et Naples, et en y appliquant une démarche développée au fil d’années de collaboration. Issus du journalisme et de la musique pour l’un, de l’histoire de l’art pour l’autre, leur approche est d’abord méthodologique et documentaire, enquêtant sur le contexte social et politique du lieu. Sur place, c’est la rencontre avec les habitants qui prévaut : chaque photographie témoigne d’une relation patiemment tissée, d’une recherche de lien humain et de compréhension. Ils parviennent ainsi à dévoiler la complexité de cette ville où se côtoient les questions de gentrification, de marginalisation des classes défavorisées, de discrimination croissante envers les homosexuels, d’arrivée massive de réfugiés syriens, d’intégration de la communauté kurde, … Il en résulte un récit non-linéaire, empathique et instinctif, où les facettes de la société s’entrecroisent dans un ballet visuel poétique.

DE

Das Künstlerduo Caimi und Piccinni produziert Reportage über Städte die gerade starken Veränderungen erleben. In Istanbul trafen sie sich mit verschiedenen Gemeinschaften, die oft zusammenleben, ohne einander zu begegnen und stellen sich auf feinfühlige Art die Fragen zur städtische Gentrifizierung, Diskriminierung von Homosexuellen, den syrischen Flüchtlingen, Kurden, …

EN

The artist duo Caimi and Piccinni produces reports on changing cities. In Istanbul, they went to meet the different communities that cohabit without ever meeting, and address the issues of urban gentrification, discrimination of homosexuals, Syrian refugees, Kurds, …

Biographie

Jean-Marc Caimi et Valentina Piccinni sont basés à Rome. Ils collaborent depuis 2013 et ont réalisé plusieurs séries également publiées sous forme de livres. Ils s’intéressent à des sujets de société contemporains en portant une attention particulière à l’aspect humain. Leurs travaux ont fait l’objet de nombreuses expositions, prix et publications dans la presse internationale. Güle Güle a été exposée à la Biennale für aktuelle Fotografie de Mannheim, a remporté le prix PHMuseum 2020 (catégorie solo show) et le prix Sony World Photography 2019 (catégorie découverte).