Focus sur la jeune création européenne

Au cinéma cosmos

Tarifs en vigueur au cinéma

En 2025, La Chambre invite à Strasbourg des lieux et festivals œuvrant au soutien de la création artistique photographique, afin qu’ils se rencontrent et échangent autour des enjeux actuels de leurs métiers. La jeune création est au cœur du propos ; les enjeux de diffusion et de développement de réseau sont pour elle particulièrement stratégiques.

Pour permettre au public de profiter de la présence à Strasbourg de ces institutions de la photographie, La Chambre leur ouvre la grande salle du cinéma Cosmos, pour une soirée projection d’une dizaine de montages photo diffusés en boucle et en musique.
Le focus se fait sur les pays du pourtour de l’Europe : Finlande, Pologne, Grèce, Italie, Portugal. La perception de cette unité géographique, politique et économique qu’est l’Europe y est nécessairement différente de celle des pays du centre. Leur proximité – voire leurs affinités – avec les pays d’Europe de l’Est, du Moyen-Orient et d’Afrique, nuance le modèle défini par les pays occidentaux. Quelle perception a-t-on des valeurs européennes quand on vit au voisinage d’autres cultures ?

Cette soirée est aussi une belle occasion de voyager. Chaque structure invitée dans le cadre de REFLEX réalise une sélection mettant en avant sa jeune création nationale. Ces propositions curatoriées permettent d’ouvrir les regards et de donner à voir les préoccupations, recherches et tendances à l’œuvre en matière de photographie, peut-être même de dessiner les contours d’une Europe partagée.

In silico

EMMA COSSÉE CRUZ

Vernissage
vendredi 26.06 — 18h

Fermeture estivale
du 03 au 23.08.26

Emma Cossée Cruz s’intéresse aux équipements, ceux qui interagissent avec le corps humain, qu’ils en soient extension, réceptacle ou support. Ses premières réalisations s’attardent sur les agrès sportifs installés dans l’espace public à Buenos Aires. Le vivant y trouve alors encore sa place. Puis, progressivement effacé, il subsiste dans les marques d’usure, ses empreintes en négatif, ses doublures inanimées.

Artiste franco-chilienne installée à Marseille, Emma Cossée Cruz aime à investir des lieux et des rencontres. Retenue dans le cadre du programme d’accompagnement des jeunes auteur·es de La Chambre, elle réalise et expose À bout de bras, une série photographique sur les objets des centres de rééducation physique. Elle prolonge sa présence à Strasbourg en y menant des ateliers photo. Naît alors le désir d’approcher des équipes de recherche investies dans le développement de dispositifs médicaux numériques. Accueillie en leur sein en résidence, elle pénètre des univers de travail à la fois familiers et déroutants, où tout s’écrit et se conçoit en lignes de code. Elle découvre des jumeaux numériques, modèles virtuels d’un objet ou sujet physique. Les chercheur·euses les nomment « fantômes ». Ils apparaissent çà et là sous forme de simulation anatomique, incarnations en silicone de leur version chiffrée.

De ses face à face avec la machine, Emma Cossée Cruz tire des images imposantes, majestueuses, dont elle casse le style hiératique en jouant de la fragilité des supports. Poursuivant ses expérimentations précédentes, elle réalise des transferts sur feuille de plâtre et travaille le tissu dans sa transparence. Les représentations ainsi obtenues vacillent entre vestiges du passé et incarnations d’un futur.

S’il s’ancre à l’origine dans une expérience personnelle, celle de la réparation des corps, le travail d’Emma Cossée Cruz évolue vers un regard sur les technologies numériques. Subrepticement, il interroge la place de ces technologies dans notre société, le rapport que les humains entretiennent avec elles, entre création et dépendance, inquiétude et fascination.

À fleur de peau

CHLOÉ JAFÉ

Vernissage
vendredi 27.03 — 18h

Chloé Jafé est une artiste photographe formée à l’École de Condé à Lyon et au Central Saint Martin College of Art à Londres. Après avoir travaillé au bureau de Magnum Photos à Londres, elle emménage au Japon en 2013 où elle entame le reportage I give you my life, premier volet de sa trilogie japonaise Sakasa. Embauchée comme hôtesse dans un bar de nuit à Ginza, elle plonge au cœur de l’univers des femmes de Yakuzas à Tokyo. Son exploration photographique les met en lumière, elles qui vivent en marge de la société japonaise, n’ont ni droits, ni pouvoirs, ni considération. Au fil des images, on découvre les entrelacs du romanesque et du corps, la chair tatouée. Ces photos sont un hommage à ces femmes de l’ombre, ici dévoilées et sublimées.

Sa recherche sur le Japon se poursuit avec Okinawa mon amour. Ce deuxième chapitre, entre conte et journal intime, est une immersion dans les recoins les plus alternatifs de l’île, ancienne colonie militaire américaine. La photographe ne se met pas ici en quête de sujets remarquables, mais se laisse transporter par les rencontres. Elle photographie les habitant·es de l’île et particulièrement les femmes, mais aussi l’homme dont elle est alors amoureuse. Il en résulte un magnifique portait transgénérationnel, à la fois tendre et plein de détresse.

Le troisième volet, How I met Jiro, explore le quotidien des habitant·es du quartier de Kamagasaki dans l’ouest d’Osaka, interrogeant leurs relations ambiguës avec la société, sans jamais les juger. Les images donnent à voir la précarité, le désordre mais aussi la vie. Ici la marge devient espace de résistance, lieu radical de possibles, de création et non de soumission.

Ces séries portent ensemble un regard sans filtre sur le pays de la pudeur, par une approche à la fois poétique et réaliste. Les trois volets de Sakasa composent un tableau puissant et anticonformiste du Japon, un renversement du point de vue qui résonne comme une ode, un hommage à ces vies vécues ouvertement et librement, à tous ceux et celles qui composent la société mais que la société ignore. En conjuguant expression artistique et documentaire, par leur approche profondément humaine, les images de Chloé Jafé trouvent toute leur force dans leur persistance à montrer les corps comme instruments d’expression de soi et de liberté. Réunir ces trois séries dans un même espace permet de faire apparaître des échos, des continuités souterraines, mais aussi des frictions. Les œuvres se répondent, composant un ensemble où l’intime et le politique s’entrelacent.

Twana’s Box

UNE HISTOIRE KURDE PAR RAWSHT TWANA

Vernissage
vendredi 30.01 — 18h

Une boîte en carton remplie de vieux négatifs, enfouie dans les sables du Kurdistan irakien. C’est la première rencontre de Rawsht Twana avec les archives de son père, un témoignage visuel du Kurdistan des années 1974 à 1992. Twana Abdullah est un photographe kurde-irakien qui documente la vie quotidienne d’une région marquée par les conflits. Après son exécution par le régime militaire en 1992, son travail reste invisible pendant des décennies. Pour Rawsht, cette archive est un lien avec ce père qu’il n’a jamais vraiment connu, l’accès à un passé kurde, mais aussi le fondement de sa propre carrière de photographe.

Le Kurdistan a longtemps été une terre de déplacements. Pendant des siècles, les Kurdes ont enduré guerres, répressions et migrations, donnant naissance à l’une des plus grandes diasporas au monde. Dispersées dans le Moyen-Orient et au-delà, les communautés kurdes ont préservé leur histoire par le souvenir, la tradition orale et, dans ce cas, la photographie. Rawsht lui-même a été déplacé à deux reprises et, comme beaucoup d’autres, son parcours l’a conduit en Europe. S’installant en Italie, il s’est trouvé partagé entre deux mondes : celui du passé, contenu dans les négatifs fragiles des archives de son père, et celui du présent où il cherchait à construire une vie nouvelle, avec ces souvenirs. Twana’s Box est un acte de commémoration et de résistance. Il révèle un Kurdistan rarement montré dans les récits traditionnels, celui, par-delà la guerre, du quotidien, de la culture et de la résilience. En restaurant minutieusement les négatifs de son père, Rawsht s’assure qu’une histoire jadis réduite au silence devient visible. Son travail jette des ponts entre générations, montrant comment la mémoire et l’identité perdurent, en dépit des frontières, des déplacements et des pertes.

Cette exposition offre un aperçu de l’expérience kurde dans sa globalité, des luttes d’un peuple sans État, et du pouvoir de la photographie de préserver ce qui serait sinon oublié. La vision de Twana persiste, par les mains de Rawsht, permettant que les histoires personnelles et collectives ne se perdent pas mais soient partagées avec le monde.

Lukas Birk

Hantologie
pour les débutant·es

BORIS ELDAGSEN

Vernissage
vendredi 21.11 — 18h à La Cryogénie

Fermeture hivernale
du 22.12.25 au 04.01.26

Boris Eldagsen est un artiste et philosophe allemand vivant à Berlin, dont les travaux récents explorent l’usage de l’intelligence artificielle pour générer des images. Il explore dans ses recherches les mécanismes de l’inconscient, usant de ses formes d’expression pour élaborer des œuvres et des univers qui relèvent de l’onirisme.

Boris Eldagsen investit ses 30 années d’expérience en tant que photographe et artiste dans le prompting et la postproduction. Il est l’inventeur du vocable promptography, soit une écriture qui procède du prompt, cette « invite » – instruction ou série de données – adressée aux systèmes d’IA pour générer des créations en image, vidéo ou tout autre forme de média. Dans sa dernière exposition en tant que commissaire, Photography vs. Promptograpy, il enjoignait la photographie à s’interroger sur ses perspectives et rôles à l’ère de l’IA. Sa prise de parole à l’occasion des Sony World Photography Awards et son refus du prix décerné dans la catégorie Creative Open en 2023 ont porté le débat sur l’intelligence artificielle en la matière sur la scène internationale.

Pour le projet Hantologie pour les débutant·es, Boris Eldagsen investit deux lieux strasbourgeois : La Chambre et La Cryogénie. Chaque lieu est pensé comme un chapitre de sa recherche sur l’intelligence artificielle et son usage dans l’art. Une œuvre grand format se déploie également sur la façade de l’Atrium, sur le campus de l’Esplanade. L’exposition réunit un ensemble d’images et vidéos sonores générées par l’IA, en une installation conçue spécifiquement pour les lieux investis.

Le premier chapitre de l’exposition, Quelque chose manque et vous le savez, est habité par un questionnement qui apparaît en filigrane tout au long de l’exposition : que se passe-t-il lorsque la photographie perd sa matérialité et est réincarnée par le biais de l’intelligence artificielle ? Lorsqu’un artiste produit non plus avec un appareil photo mais avec un ordinateur ?
Le deuxième chapitre, La sensation demandée n’est pas disponible, est pensé comme une installation inédite ; l’artiste s’approprie et réinvente entièrement l’espace qui lui est confié. Le propos ne se limite non plus seulement à la photographie, mais à la création artistique de manière générale, questionnant l’écart entre la production artistique artisanale et celle réalisée par le biais de l’intelligence artificielle.
En parallèle, Boris Eldagsen présente sa série de vidéos AI Art Rant, primée dans différents festivals dédiés aux vidéos réalisées avec l’IA.

Le titre de l’exposition reprend un concept philosophique et culturel défini par Jacques Derrida dans son ouvrage Spectres de Marx, publié en 1993 : hantologie. Il combine les mots hanter et ontologie (« partie de la philosophie qui a pour objet l’élucidation du sens de l’être (1) ») et décrit la présence persistante d’éléments du passé ou de futurs non advenus qui continuent à façonner le présent, comme s’ils étaient des fantômes.
Cette référence à Derrida incite le spectateur·rice à faire le lien avec la manière dont l’IA crée des images, et questionne la nostalgie communément partagée par les extrêmes droites, d’un passé glorieux qui n’a jamais été.

(1) CNRTL

Sur le fil
— Reunalla

LA SCÈNE ÉMERGENTE FINLANDAISE

Vernissage et lancement de saison
vendredi 19.09 — 18h

S’intéresser à la jeune création pour nourrir sa réflexion, actualiser sa perception du monde, mettre en perspective ce qui l’agite à l’aune d’un futur étiré. En lien avec les rencontres européennes des festivals et lieux d’exposition de la photographie qu’elle organise, La Chambre initie un nouveau cycle d’expositions dédié à la jeune création contemporaine, en considérant en priorité les bordures de l’Europe, dans une volonté de décentralisation. La première édition de cette exploration ambitieuse est dédiée à la photographie finlandaise.

Campée au bord de la mer Baltique, à quelques degrés seulement du cercle polaire Arctique, face à Tallinn en Estonie et à Saint-Pétersbourg en Russie, la Finlande est un point de départ idéal pour démarrer ce projet.
Immensité silencieuse, nature intacte, forêts, lacs, où les hivers rigoureux étirent des nuits de quatorze heures et des étés où le crépuscule ne finit jamais de tomber, ce pays porte en lui tout le symbole de la frontière de l’Europe et représente une facette moins connue de l’histoire de la photographie européenne.

Pour interroger le regard que les photographes finlandais·es portent sur les enjeux politiques, sociétaux et esthétiques du pays où iels résident, La Chambre invite des artistes de la nouvelle génération. S’affranchissant de l’ambition de réaliser un panorama de cette scène montante, elle choisit de présenter trois voix singulières, leur proposant de déployer et de croiser leurs œuvres dans son espace d’exposition.

Les expérimentations abstraites et introspectives de la série This place is many de Venla Kaasinen enchantent par leurs atmosphères méditatives, chamaniques et évocatrices d’une incarnation quasi naturelle du paysage.

Henri Airo rend à l’image son pouvoir critique et esthétique, en proposant une écriture documentaire qui renoue avec la tradition plus politique de la photographie. War is a disaster explore les liens qui persistent entre le militarisme et la mémoire collective de la guerre en Finlande.

Les photographies extraites de In Shallow Waters I Walked et Vanishing Point de Aino Väänänen, questionnent la valeur intrinsèque de la nature, son instrumentalisation et les dynamiques de l’interaction avec l’être humain.

Le quotidien, l’intime, le territoire politique, l’histoire en marche, sont autant de problématiques abordées par ces jeunes artistes animé·es par un même engagement, celui d’une interrogation permanente face à l’immensité des possibles de la création.